Rock uruguayo

Sir Andy McGregorio and the Golden Shower Crew

2010-12-11T14:18:00.000-08:00

En actividad desde hace más de diez años, el músico tacuaremboense Mariano Romero ha formado parte de varios grupos, entre los que se destaca su rol como guitarrista, cantante y compositor de las bandas Calvo y Trigo y Cizaña. Hablamos con él sobre su actual proyecto, cuyas canciones se pueden escuchar en myspace.com/andymcgregorio, y que desde hace varios meses se viene presentando en vivo en diversos escenarios montevideanos.

-¿Cómo fue la transición entre tu actividad como integrante de Trigo y Cizaña y la formación de tu grupo actual?

La transición de Trigo y cizaña al proyecto Sir Andy McGregorio fue casi obligatoria debido a mi alejamiento de la ciudad de Tacuarembó para realizar mi carrera de grado en la capital en 2005.
Me habían quedado muchas cosas en el tintero en cuanto a lo musical y eso llevó a que empezara a componer unas cuantas canciones, algo así como treinta, casi todas en 2007, las cuales fueron siendo grabadas posteriormente en diferentes EPs.
La cabeza es la misma, lo que cambio fue el formato y el idioma.
Este año, decidí empezar a sonar en vivo y eso me dio la gran alegría de poder hacerlo con amigos que además son excelentes músicos. Darío, que es junto a mi primo Julio, mi mentor en el arte de la guitarra y la composición, Luis Miguel, actual Marulata y Lautreamont, un tipo talentoso y además muy comprometido y Missy, que es una amiga de mucho tiempo y dotada de una voz muy dulce.
Juntos, conformamos lo que denominamos Sir Andy McGregorio and the Golden Shower Crew.

-Grabaste 6 EPs en un período de dos años ¿Qué te llevó a optar por este formato? Contanos un poco acerca del proceso de composición y grabación de estas canciones.

La idea siempre fue hacer algo universal, tanto desde el punto de vista musical como lírico, no me considero un músico de rock nacional, hay otra gente que lo hace muy bien y a mi me sale hacer esta música que no tiene mucho de eso.
Personalmente soy como una aspiradora de influencias, todo me sirve, no desecho nada. Siempre me colgué mucho con la movida grunge y post-grunge de fines de los noventa; la por siempre banda mas culta de todos los tiempos Tool hizo un click en mi cabeza en mi adolescencia, la versatilidad de The Smashing Pumkins, la potencia y los climas de Deftones, la vanguardia de Nine Inch Nails, lo emocionante y erizante de Radiohead y por supuesto después fui yendo hacia atrás en el tiempo y descubrí Depeche Mode, y al maestro de todos los tiempos que es Sir David Bowie y todo eso termina en un hermoso matete que te adentra en un mundo infinito de melodías del cual no podes salirte nunca más.
El modo de composición de estas treinta y algo de canciones que compuse fueron como un destello de inspiración, las melodías las compuse todas en un año simplemente con una guitarra folk y luego las fui grabando agregándole algunos samplers y obviamente las letras conceptualizadas dependiendo del mensaje particular de cada EP.
La parte de los samplers es muy casera, me gusta usar softwares viejos y limitados para que me obliguen a darme ingenio de lograr el sonido que quiero y de esa manera sonar diferente y no como un preset de última generación.
Los textos son en inglés porque es un idioma que me resulta muy armonioso pero que en absoluto me motiva a escribir cualquier boludez y listo. Por el contrario me gusta comunicar algo con mis canciones. El hombre, la naturaleza, el tiempo, los conceptos y los puntos de referencia son cuestiones que van mas allá de un estado anímico o emocional, siempre me cuesta escribir con el corazón por eso escribo casi siempre desde un lado bastante objetivo. De cualquier manera creo que eso va de la mano un poco de mi formación académica y todo el enrosque de la ciencia que es de última a lo que me dedico profesionalmente.

-¿Qué planes tenés para el futuro?

There is no future!

[Tacuarembó2000. Tacuarembó, diciembre de 2009]

Volver a la vida - 25º aniversario de Tango que me hiciste mal, de Los Estómagos

2010-08-27T12:40:00.000-07:00

En 1985 Uruguay comenzaba su proceso de recuperación de la democracia, perdida durante más de una década de feroz dictadura. A comienzos de los 80 un nuevo rock resurgía en Uruguay, influido directamente por el punk y el pospunk británico de bandas como Sex Pistols, The Clash, Joy Division, Bauhaus, The Cure y Depeche Mode, entre otras, así como de bandas españolas como Loquillo y sus Trogloditas, Gabinete Caligari y Kaka de Luxe. Era una mezcla distinta al rock uruguayo que había gozado de esplendor a fines de los 60 y comienzos de los 70. Musical y estéticamente tenía mucho de la furia del punk más visceral pero, a la vez, era oscuro y siniestro.
Formado en el verano de 1982-83, la base musical de Los Estómagos contaba con Gustavo Parodi en guitarra, Fabián Hueso Hernández en bajo y Gustavo Mariott en batería. A principios de 1983 el trío sólo necesitaba un vocalista. Gabriel Peluffo se unió a un ensayo para probarse en ese puesto en febrero de ese año y fue aceptado. Pasaron varios meses de ensayos hasta que, con una maqueta grabada, debutaron en el Centro Protección de
Choferes de la ciudad de Pando, en agosto de ese año, en una fiesta liceal. Poco tiempo después, Andy Adler colaboró como segundo guitarrista y se fue a principios del siguiente año. Al tiempo que soplaban aires democráticos, Los Estómagos seguían tocando en vivo, incluso en televisión, en el legendario rograma Telecataplum.
Durante 1984 la banda trabajó en lo que luego sería su álbum debut. Por esa época nacerían también otros grupos que integrarían la nueva camada del rock nacional: Los Traidores, Los Tontos, Zero, Neoh 23, ADN, El Cuarteto de Nos y La Tabaré Riverock. En una industria inexistente de rock nacional, las bandas tenían que esforzarse sobremanera para despegar en el espectro musical local, dominado por el canto popular, en la ardua tarea de mantener una mínima calidad e intentar sonar lo mejor posible tanto en estudio como en vivo. Eran épocas en las cuales todo era a pulmón, la mesa no estaba servida y los músicos de rock tenían que tomar la sopa con un tenedor, en el mejor de los casos.
El año 1985 fue un momento bisagra para la política y la cultura uruguayas. Se instaló el primer gobierno elegido democráticamente después de la dictadura. Meses más tarde, Los Estómagos editaron Tango que me hiciste mal. El rock nacional resurgía de las cenizas de la mano de esta hoy icónica obra. El disco fue el mascarón de proa, el espejo en el que se vio reflejada toda una nueva generación rockera local.
TENGO MUCHAS GANAS DE GRITAR
Entre abril y junio de 1985, Los Estómagos se encerraron en el estudio de grabación La Batuta. Contaron con la producción de Alfonso Carbone (fundamental artífice del despegue del rock nacional) y Jorge Iglesias en la parte técnica. Desde el punto de vista musical eran una mezcla del pospunk británico y la movida española posfranquista, con un pie en Gran Bretaña y otro en la península ibérica. A too ello le agregaban un toque local al tratar en las letras temáticas de un pasado que aún se mezclaba con el presente, en una clara apuesta al compromiso con lo político y social. Pero sus textos también hablaban de la angustia existencial de lo cotidiano, el sentido de vivir, la soledad, la alienación y la desesperanza. Había, por cierto, mucho de la filosofía tanguera hecha rock. El disco saldría editado por el sello Orfeo, a mediados de ese año, con una portada acorde al espíritu de la obra. Poco después, el baterista Gustavo Mariott dejó la banda y fue reemplazado por Leonardo Baroncini, quien también integraba Los Tontos.
El comienzo con la canción “Gritar”, de la cual se realizó un pionero videoclip, era toda una postura desde el vamos, con una línea de bajo punzante. Le seguían “Ídolos”, “Vals de mi locura”, “Los seres vivientes” e “Invierno”, con una cadencia que remarcaba la oscuridad del grupo, la estupenda “Amos de la noche”, la cuestionadora “Torturador”, que se involucraba en un terreno ríspido, con la dictadura recién finalizada. Hernández y Parodi formaban la dupla compositora de la banda. meses después, grabarían dos temas para el compilado de rock nacional Graffiti, “Jugaste sucio” y la rabiosa versión del tango “Cambalache” que ya venían tocando desde hacía un tiempo.
Con Tango que me hiciste mal el rock nacional comenzó su rápido ascenso. Era masivo, miles de jóvenes asistían a los conciertos y se comenzaba a realizar festivales multitudinarios (el concierto Graffiti, que presentaba el igualmente nombrado compilado de bandas nacionales, en el Teatro de Verano, en diciembre de 1985, o el Montevideo rock I, en la Rural del Prado, un año después, son ejemplos de ello). La inmediata identificación y convocatoria lograda por Los Estómagos a partir de Tango que me hiciste mal fue similar a la que produjo Montevideo agoniza, de Los Traidores, un año después, verdaderos documentos sonoros de una Montevideo que relamía sus heridas a poco de salida del infierno.
TANGO, ROCANROL Y DESPUÉS
Este vinilo, hoy devenido disco compacto, no sólo fue importante para quienes vivieron esa época efervescente y cambiante, sino también para los músicos más actuales. Bandas como La Trampa, Buenos Muchachos y hasta la desaparecida metalera Chopper confiesan influencia de Los Estómagos en más de un aspecto. El legado de la banda se vio tributado por estos grupos y otros en el compilado Extrañas visiones: las canciones de Los Estómagos, editado en 1996, un homenaje de bandas y músicos uruguayos entre las que se encuentran El Peyote Asesino, The Supersónicos, Kongo Bongo, Claudio Taddei, El Conde de Saint Germain, compañeros de generación como Los Traidores y La Tabaré Riverock, e incluso Eduardo Darnauchans, entre otros, con una clara diversidad de estilos, todos quitándose el sombrero y saludando a Los Estómagos, convirtiéndola en la única banda nacional homenajeada hasta hoy. Más allá de la etiqueta “de culto”, la banda permanece como una preciada fuente de consulta para entender el porqué de mucha de la actualidad del rock nacional. De algún modo hoy las bandas salen al ruedo con el camino más allanado que un cuarto de siglo atrás.
Luego de concluido el ciclo de Los Estómagos, que finalizó con un último concierto realizado en el extinto cine Cordón el 25 de agosto de 1989 (nada menos que el día de la independencia nacional), a fines del mismo año Peluffo, Parodi, José Pepe Rambao y Marcelo Lasso –estos últimos incorporados en los últimos años– forman Buitres Después de la Una, en un apreciable cambio de sonido que se mantiene hasta la actualidad. Los públicos de ambas bandas pueden entrecruzarse, o no. Existe cierta polémica entre los fanáticos más acérrimos de Los Estómagos respecto, justamente, del rumbo musical tomado por Buitres. El tiempo ha demostrado que Buitres no es mejor ni peor sino simplemente otra cosa. De todos modos, muchas veces la odiosa comparación ha enfrentado a los fans y aún hoy algunos de aquellos jóvenes ochenteros reclaman en los conciertos de Buitres la interpretación de los clásicos de Los Estómagos, algo que tal vez tenga que ver con la nostalgia tanguera.
Los Estómagos prendieron y apagaron las luces del rock uruguayo de los 80, alimentaron el espíritu de aquella generación brindando una imprescindible dosis de aire fresco, aire que sopla hasta hoy, en la cara de los que tomaron la posta y mantienen viva la llama, encendida cuando la oscuridad parecía no tener fin.

[Por Paulo Roddel. Suplemento R, La Diaria. Montevideo, vierenes 27 de agosto de 2010]

El camino más corto

2009-01-06T13:49:00.000-08:00

"(No) se puede pedir peras al olmo y a una banda que hizo Este fuerte viento que sopla-dijo Mateo Moreno en un reportaje-, exigirle que al otro disco se convierta en la Velvet Underground o en Yes", como si las expectativas respecto a la evolución de NoTeVaGustar hubieran sido tan elevadas. Nunca se trató de eso.
No creo que a alguien le haya pasado por la cabeza un salto estético de tal envergadura y que, en todo caso, pensó que era posible un movimiento hacia adelante dentro de la línea transitada. Lo que cualquiera podía exigirle a NTVG luego de un disco como Este fuerte viento que sopla, que aunaba cualidades compositivas y efecto sobre la audiencia potencial, era que se dedicaran a escarbar en lo que tenían de talento aun cuando ello-probablemente- afectara su popularidad.
De más está decir que eso nunca sucedió. Antes bien, cargaron las pilas a favor del punch relegando la calidad a un segundo plano, y haciendo que cada nuevo disco fuera peor que su predecesor. No lo digo yo, lo dice el mismo público que sigue cantando "Clara", "Como brillaba tu alma" y varias otras canciones del segundo disco, y que ya se olvidaron de los hits más recientes de sus posteriores registros.
En esa línea de descenso permanente, El camino más largo es un peldaño abajo más. Si al comienzo de la agrupación había composiciones que tenían sustancia y feeling, y luego quedó el feeling, y de allí se pasó a la casi cáscara del hit momentáneo, ahora ni siquiera queda esa corteza pegadiza y dulzona. Está el tema que más circula por los medios de comunicación ("El camino"), un electroska con ataques de rock, que reitera fórmulas anteriores y que siendo melódicamente similar a otras canciones de la agrupación, aunque se convierta en un hit, ya adolece de la respetabilidad que tenían anteriores éxitos dependientes de sí mismos y no del calco de un modelo ya utilizado.
El resto del registro es muy poco en varios sentidos: en inspiración, en arreglos y en textos. Lo de los arreglos asombra porque supo ser una de las características centrales de NoTeVaGustar y una de las razones de su pegada a nivel popular. Las composiciones suenan malamente despojadas como si no existieran ideas sobre qué hacer e incluso, los cambios rítmicos (otro rasgo originario del colectivo) parecen provocados adrede, desfasados, carentes de la fluidez que tenían aquellos entronques de antaño.
Hay una bajada dinámica en "Tan lejos" que no se puede creer por su obviedad y su gateo vacilante, y un sonido tan facilista (salvo excepciones, los instrumentos van entrando de a uno a la vez y cuando se produce un nuevo ingreso hay otros que se retiran de la escena, como si fueran incapaces de producir un trabajo de equipo o como si se tratara de una infantil opción estética) que elige colocar un timbre diferente ora aquí, ora allá, en vez de tejer una trama más jugosa.
Seguramente por aquello de "cría fama y échate a dormir", la placa se vendió como pan caliente aun antes de que el público conociera, vía difusión mediática, el material que estaban comprando. Demostración más que palmaria para los que aseguran que el aplauso del consumidor es el mejor juicio sobre una obra, que no interesa tanto el tipo de producción de la banda y sí quién produce no importa que cosas.
La gente eligió a NTVG como la banda de la época, es cierto, pero, ¿eso qué significa además de que pasaron por la tienda y se compraron la ropa que más les gustaba? ¿Significa que la banda en cuestión inventó una forma nueva de hacer música, o que provocó un quiebre en el panorama local parecido al generado por Los que iban cantando en su momento, o que dejaron un sedimento del cual se van a nutrir otros músicos en el futuro, como pasó con Eduardo Mateo, o que edificaron una obra revulsiva y enigmática como la de Jorge Lazaroff, o que al menos mostraron mínimas señales de crecimiento desde su juvenil espontaneidad iniciática?
Si todos estos valores importan menos que la preferencia popular, acaso sea vana la queja que emite NoTeVaGustar desde el primer track del disco sobre las opciones de vida de la sociedad actual: "se trata con desprecio, todo da igual / se gana a cualquier precio, nada está mal". Porque también allí, lo que parece primar es esa zona instintiva que lleva por el sendero menos sacrificado en el entendido de que la vida dura poco y no vale la pena complicarse.
Salir de ese vale todo epocal implica un acto de voluntad, un querer dejar de ser esta cosa mediocre para intentar superarse, igual que salir de la mediocridad musical requiere el mismo acto de voluntad. Pero la gente suele preferir el camino más corto de la supervivencia a secas, tal vez como Emiliano Brancciari y sus muchachos, cuando se dedican a producir música.

[Por Leonardo Scampini. La Diaria. Montevideo, martes 6 de enero de 2009]

El mísero espiral de encanto.

2008-11-21T15:44:00.001-08:00

Después de un formidable 2005 y de 2 años de ausencia en las tablas montevideanas, La Trampa volvió a dejar chico el "Ramón Collazo" para mostrarnos "El Mísero Espiral de Encanto", el nuevo álbum que muestra a una banda mucho más directa y rockera que antes.

El show no estuvo plagado de invitados y sólo contó con la presencia de Laura Romero (Vendetta), en guitarra de punta a punta, y, como soporte, a la muy buena banda ASSIMO, que cuenta con la voz de Juan Casanova (ex Traidores); la batería de Martín "Choncho" Ariosa (Ex Plátano Macho y Elefante); Bruno Boselli, en guitarra; Gastón Otero, en bajo; y Valentín Sanguinetti, en guitarra y coros, cerrando todo este muy buen concepto con los videos de Uzi Sabah & Antar Kuri.

Este toque será el soporte del DVD que está cocinando la banda para mostrar todo lo que fue el proceso de creación de su nuevo álbum.

"Simple" es la canción que abre este mísero espiral de encanto, y que se muestra en todas las radios como corte de difusión, Tema que ya nos hace notar un cambio en la banda y en su sonido. Esta nueva Trampa, que mantiene en la guitarra y las composiciones a Garo Arakelian, y a Alejandro Spuntone en la voz.

Cambia, sin embargo, la base, teniendo en bajo a Diego Varela y a Irvin Carballo en batería, permutas que se hacen notar y que dejan un colchón rítmico sólido para que las guitarras de Garo puedan fluir libremente.

A toda esta serie de cambios, debemos agregarle la participación directa de Rodrigo Gómez (Ex Sórdromo), en la dirección artística, quien nos deja un gran trabajo, transformando el sonido "hard-rock" característico de la banda en uno mucho más "garage" y directo, esto genera que la voz de Spuntone se realce como un instrumento más dentro del material.

El álbum contiene 12 tracks, y uno de los puntos más altos del disco puede encontrarse en el tema "Shangrila", canción que muestra al guitarrista desenvolviéndose de gran forma en las vocales y dejándonos una verdadera joya.

La grilla cuenta con temas "tramperos" y "hiteros", como "Todo me golpea" y "Desencanto", que seguramente serán coreados a la brevedad. También nos encontramos con "Espuma al viento", tema que muestra una gran melancolía y una gran comunión de los músicos.

El cambio de sonido de la banda va a ser un poco difícil inicialmente para el público trampero, pero después de algunas repeticiones podrán notar la esencia de la banda, que nos deja hoy uno de los mejores discos de su historia.

[Por Diego Carrero. Tiempos del Sur. Montevideo, Noviembre de 2008.]

Con disco nuevo y muy contento.

2008-10-28T06:28:00.000-07:00

Tabaré Rivero, músico, cantante, actor.

-¿Qué novedades hay de La Tabaré?
-Acabamos de grabar el disco número doce, que se llama "Cabarute", y va a salir a la venta en octubre.

-¿Por dónde viene este trabajo?
-Tiene que ver con lo que hicimos con "Sopita de gansos" pero más eléctrico. Es difícil de definir, decimos que es música "cabaretera", por eso el nombre que le pusimos.

-¿Por qué estuvieron tanto tiempo sin editar nuevo material propio?
-Desde 2002 no sacábamos un disco con canciones nuevas. Hubo cambios de instrumentistas además el sello pidió un recopilatorio.

-Contame sobre las letras de los temas.
-Las letras creo que han sido una constante desde nuestro primer disco hasta ahora. Si bien hay letras que salen mejores que otras, considero que más o menos la línea se mantiene.

-¿Qué le puede agregar este disco a la carrera de la banda?
Lo que puede agregar es satisfacción, pienso que nada más que eso. Seguimos buscando la perfección y no la hemos encontrado aún.

-¿Alguna vez la encontrarán?
-No lo creo, pero por lo menos vamos en camino. Me parece que estamos bien encaminados hacia esa meta. El problema es que, cuando uno encuentra algo muy agradable, después cambia de idea. Volví a encontrarme con músicos con los que hacía mucho tiempo que no tocaba como Jorge Pi, Alejandra Wolf, y para mí eso se nota en el disco. Por otro lado, la dirección musical está hecha por Álvaro Pérez, que es un múscio joven con el que nunca había trabajado. Tiene una onda bárbara, entendió perfectamente por dónde venía La Tabaré. Estoy muy conforme con los arreglos que realizó. En definitiva, estoy muy contento con el disco.

-¿La Tabaré siempre tiene que estar cambiando?
-Creo que si. No lo hacemos por ideología, sino porque se va dando. Así como está variando el estado anímico de uno, así también cambia la música del grupo.

[La República. Montevideo, 28 de setiembre de 2008.]

Psimio abre la cancha con variadas influencias.

2008-10-14T06:26:00.000-07:00

Segundo trabajo, sonido pulido, y camino a la contundencia.
Si el comienzo de aquel inaugural disco Plinto era toda una declaración de principios -el rock ruidoso y agresivo de Fósil anticipaba un trabajo frontal y visceral-, pasa lo mismo con cables y circuitos, el tema que abre Homónimo, segundo disco de la banda.
La diferencia es que aquí lo que cambia es la identidad sonora del grupo. Quedaron atrás los estallidos de guitarras y los alaridos, y la nueva sensación es la de estar delante de una banda más en sintonía con la actualidad: a veces un rock para bailar en discoteca con precisos guiños, a veces alguna guitarra con aire británico...ahí se entrevé un relativo crecimiento de la base sonora del grupo, que ahora parece "explotar" en momentos y lugares más propicios dentro de las canciones.
La búsqueda, entonces, se afianza con mucho acierto en temas como Radares o la atmósferica Oh no, punto alto del disco en el que irrumpe Max Capote. Por otro lado, una vez repasado todo Homónimo, es complicado encontrar un track que termine de empujar al resto del trabajo; lo que se dice una canción con cuerpo de "hit" que pegue con fuerza.
Ese podría ser el próximo paso para Psimio, que tiene en este segundo disco un interesante paseo sonoro mientras continúa dando pasos acertadosen la búsqueda de tonificar la musculatura de su música.

[El País. Montevideo, 14 de setiembre de 2008]

"Yo a las canciones las siento."

2008-10-11T06:31:00.000-07:00

Sabrina Mangussi, cantante, bajista.

-¿Cómo surge La escena del crimen?
-Nos juntamos a tocar hace un año y medio. Anteriormente, yo estuve seis años en una banda punk de mujeres que se llamaba The Brainerds. Luego me surgió la inquietud de explorar otros estilos musicales y me uní a Efraín, Shara y Sebastián en La escena del crimen. La propuesta musical apunta básicamente al rock, pero no estamos encasillados a ese género. Tratamos de incluir en cada canción elementos que le sirvan.

-¿En qué sentido afirmás esto último?
-Lo que pasa es que, a la hora de componer una canción, buscamos elementos que puedan rendir a la composición. Por ejemplo, probar con una guitarra electroacústica, o con una base de sonido más metalero. Cuidamos la canción y estamos muy abiertos. Si bien la banda en vivo tiene dos guitarras eléctricas, bajo y batería, a la hora de grabar agregamos otros instrumentos como el piano.

-¿Cuándo te das cuenta que un tema ya está pronto?
-Eso es muy difícil porque yo a las canciones las siento. Cuando algo cierra, cierra y listo. No se puede dar una explicación teórica. Es coo una intuición.

-¿Sos exigente a la hora de componer?
-Ultimamente bastante. Si bien tuve mi primera etapa más punk, en la que era más autodidacta y no me interesaba mucho sonar bien. Tocaba solamente para divertirme. Después, con los años, empecé a estudiar y comencé a darme cuenta que hay otras posibilidades. ahora soy bastante exigente con los demás, no tanto conmigo.

-¿Cómo es la propuesta en vivo del grupo?
-Tenemos un sonido contundente y cuidamos mucho lo que es la estética. Tocamos poco porque nos gusta organizar las cosas por nosotros mismos. Preferimos perder plata a ser explotados. Cuidamos todos los detalles desde la ropa que usamos hasta como va a ser la iluminación.

[La República. Montevideo, 11 de setiembre de 2008.]

"Nos tomamos el trabajo de variar".

2008-09-07T14:21:00.000-07:00

Con Emilio Echaverría, cantante.

-¿Cómo surgen The Nylones?

-La banda surgió en 2006, tomando la idea de un grupo de los Estados Unidos que se llama Me first and the gimme gimmes. Es un rejunte de músicos de diversas bandas como Foo Fighters y NOFX. La idea de ellos es juntarse y hacer versiones de diferentes temas, centrándose más bien en el punk y el hardcore. Nosotros tomamos esa idea ya que cada integrante tenía una banda paralela. Pero tomamos también la idea de abarcar más estilos, hacer ska, reggae, etcétera. De esta forma fue creciendo el espectro musical. Tomamos las canciones y vemos cómo llevarlas hacia un estilo que nos guste.

-¿Cómo eligieron el nombre?

-The Nylones viene por un Pilsen Rock que llovía a cántaros y mi padre nos dio unas bolsas de nailon, que para mí eran totalmente innecesarias, que nos terminaron salvando el día. Andábamos todos con las bolsas puestas y salió decir "ahí van los nylones", y quedó el nombre.

-¿Cómo es el trabajo de versionar canciones?

-Nosotros nos tomamos el trabajo de variar, de no hacer siempre lo mismo. Hacer canciones con un corte punk es fácil, pero jugar con otros géneros ya comienza a ser otra cosa. Además intentamos que cada tema sea distinto al otro, es algo que nos importa. No sé si decir que es difícil, pero es algo a lo que le dedicamos mucho tiempo.

-¿Tienen canciones propias?

-Tenemos una sola que se llama "Soy flaco, soy gordo". Surgió de forma bastante rara. Siempre nos juntábamos entre amigos y hacíamos historias de algún personaje. Una era sobre un artista que se llamaba Gordi y se estaba retirando. Quedó archivada hasta que nos presentamos en un concurso en el que nos pedían una versión y un original. No teníamos ninguno y decidimos usar "Soy flaco, soy gordo". Le hicimos unos arreglos y quedó muy pegadiza. Hoy es una de las preferidas del público.

[La República. Montevideo, 7 de setiembre de 2008]

Un zero en el circuito alternativo.

2008-06-01T12:13:00.000-07:00

Con Martiniano Olivera de El Grubi de la esquina.
Acostumbrado a grandes espectáculos, en estos últimos años el rock nacional estuvo –y para algunos aún está- de moda. Pero lo que los medios difunden, lo masivo, no refleja la realidad de más de 5000 jóvenes que integran diferentes bandas no tan conocidas que hacen la movida under del rock local.
Cada mes se realizan más de 150 toques en Montevideo. La mayoría en pubs céntricos. Espectáculos de 3 o 4 bandas, para un público que oscila entre las 60 y 90 personas. Bandas que muchas veces se presentan sin cobrar por su trabajo y muchas otras pagando para poder tocar. La autogestión y la movida independiente es débil, pero por suerte aparecen cada tanto nuevos emprendimientos en busca de que estos actores de la escena cultural local cuenten con espacios en los que dar a conocer su obra. Uno de ellos se viene desarrollando en el Centro Cultural Vidplan (más conocido como Cecuvi), en La Teja, durante estos últimos fines de semana otoñales. La responsabilidad e iniciativa de la producción ha estado a cargo, además de los locatarios del Cecuvi, del grupo de gestión y promoción El Grubi de la esquina.
Martiniano Olivera –músico, ex integrante de ADN y Zero, entre otras bandas en las que ha alternado desde los ochenta- es uno de los artífices de ese conglomerado de agitadores culturales. Con él conversamos de…

-¿Qué es El Grubi de la esquina?
-El Grubi de la esquina es un modo de hacer las cosas dentro del medio artístico del Uruguay, centrado principalmente en la música, con énfasis en el rock en todas sus manifestaciones, pero abierto a difundir toda forma de arte con pretensiones de arraigo popular. Quienes lo impulsamos venimos haciendo música (de rock) y estando vinculados al fenómeno en el Uruguay desde hace aproximadamente veinticinco años. Esta “forma de hacer” parte de dos o tres conceptos que compartimos quienes hacemos El Grubi. En primer lugar entendemos que actualmente en el Uruguay el vínculo entre los artistas de rock y el público es, por lo menos, desparejo, irregular y discontinuo. Un elemento irremplazable y central en la trayectoria de cualquier roquero es darle una razonable continuidad y fluidez a sus performances en vivo. Lo que vemos dentro del rock, en muchas ocasiones no pasa de expresión marginal en el panorama general de la cultura del país. Esto en sí mismo no es malo, pero desde El Grubi creemos que no alcanza: que el rock, por naturaleza, debe tener una base popular mucha más real. Que haya mucha más rock metido en la vida cotidiana de la gente a partir, entre otras cosas, de un contacto más directo y permanente entre los artistas y el público, que es lo que hoy falta. Que el rock uruguayo salga de la vitrina.

-¿Qué objetivos se plantea El Grubi de la esquina a largo plazo?
-Mantener un circuito alternativo y complementario, al “tradicional” para que la enorme cantidad de bandas que existen en nuestro medio, puedan tocar con una frecuencia acorde a su ritmo de producción ante públicos que en las condiciones actuales no los ven. Realizar espectáculos colectivos con tres o cuatro bandas por jornada en barrios de la capital y el interior del país donde actualmente los grupos no llegan. Especialmente abrir ese espacio a las bandas más nuevas. Construir una autopercepción más realista de la situación en que se produce el rock en Uruguay y a partir de ella construir condiciones que permitan mantener la producción artística y estimular a los nuevos creadores.

-¿Cómo ves hoy al under uruguayo?
Puede que no tenga un panorama completo de lo que está pasando, pero lo que conozco me hace pensar que en un aspecto el under está muy bien y en otro peligrosamente estático. Goza de buena salud en cuanto existen cada vez más músicos, jóvenes y viejos, que están produciendo cosas. Otra buena cosa es la diversidad que existe: hay gente haciendo metal, electrónica, mutaciones actuales de lo que yo antes llamaba new wave, fusiones con candombe y murga, hip-hop, rock con toques grunge. En realidad, una variedad de estilos un tanto más rica que la que acostumbraba verse hasta hace unos diez o quince años atrás. La peligrosa quietud a la que me refiero es peligrosa porque la inactividad es el camino más directo hacia la muerte artística. En lo últimos 30 años el under uruguayo no habrá sido una maravilla pero tuvo un par de características que hicieron de él algo productivo e interesante. Por un lado, a pesar de las dificultades operativas, generó cierta actividad que mantuvo vivo el impulso roquero de hacer, y alimentó con nuevas tendencias a todo el rock uruguayo. Recordemos si no los primeros pasos de Estómagos, Traidores, Peyote Asesino, Chicos Eléctricos, Supersónicos, Vela Puerca, No Te Va Gustar, La Teja Pride y otros.

-¿Cómo te imaginás al under uruguayo en el año 2015?
-Me parece que iniciativas como la de El Grubi van a multiplicarse y en la medida en que puedan consolidarse, le van a proporcional al under uruguayo una especie de esqueleto en el que se apoyará para asegurar condiciones en las que los artistas puedan recorrer con tranquilidad el camino de la independencia y la autonomía en sus carreras. En definitiva, creo que se podría construir un verdadero circuito under; firme y sin discontinuidades, adaptado a las circunstancias reales de la producción artística en el Uruguay.

[Por Sebastián Silva. Periódico El Tejano. Montevideo, junio de 2008.]

El camino del guerrero.

2008-05-23T14:19:00.000-07:00

Cuando los Culpables irrumpieron en el underground montevideano sorprendieron más que nada por el notable dominio instrumental que tenían a pesar de que el promedio de edad de la banda estaba más cerca de los 15 que de los 20. Pero su evidente capacidad para tocar con ferocidad y exactitud no los salvó de quedar un poco por debajo del radar del rock local, tal vez por estar en un extraño punto medio entre las bandas punk de corte más rocker que surgieron a la sombra de Motosierra -banda que en cierta forma los apadrinó- y las bandas de hardcore más tradicional y contestatario. Su primer disco, En los nervios (2005), pasó sin llamar mucho la atención dentro de Uruguay aunque sí tuvo buenas reseñas fuera de frontera (algo que ya parece ser clásico dentro de ciertos estilos).

Va por mal camino, nuevo disco de la banda, continúa la línea de su predecesor pero afinando algunos matices en su colección de riffs precisos, cortos y densos, sumando inclusos algunos timbres ocasionales de armónica y teclados. Musicalmente los Culpables siguen suscritos -grosso modo- al punk pero, al igual que con otras bandas de su generación, se les nota una progresiva información del hard rock de los 70, algo de blues y más de un toque de psicodelia pesada, lo cual los coloca en uno de esos territorios fronterizos de la música eléctrica y distorsionada, uno de esos sitios que paradójicamente, en lugar de abrir su sonido a distintas escenas musicales, suelen alienar al público de género por no cumplir exactamente con sus reglas.

Una de las características más notorias de la banda son sus textos, que no adhieren ni a la filosofía sexo, drogas y rock'n'roll de las bandas punk rock más barderas ni a las reivindicaciones políticas del hardcore. Ni siquiera a la confesión a lo emo; más bien las letras apuntan hacia un cierto existencialismo ambiguo, con más énfasis en lo reflexivo que en lo hostil. Un buen ejemplo es la letra de "Piedra": "Se necesita paciencia / para poder negociar / a lo que no se entiende / es imposible obviar / cuando se despierte / seguro le va a doler / que se repase todo / una última vez más / antes de que se escriba / en piedra todo lo acordado".

Va por mal camino funciona mejor escuchado por temas que de un tirón; si bien la calidad de las canciones es uniforme, también lo es la producción sonora, lo que hace que a veces suenen un poco indistintos. Tal vez al disco le falte una canción de gancho llamativo que aproveche la solidez del sonido de la banda, pero Culpables tampoco parece ser del tipo de bandas que se desviven por subirse al camión del algo asfixiado rock popular uruguayo. Este disco parece más bien una reafirmación de su propio gusto por una concepción del rock como música concisa y brutal que, sin embargo, no renuncia por ello a la personalidad y la inteligencia.

[Por Gonzalo Curbelo. La Diaria. Montevideo, 23 de mayo de 2008]

La vida es absurda, ser serio es un contrasentido.

2008-05-04T14:18:00.001-07:00

Con Juan Bervejillo, cantante, guitarrista.

-¿Cómo es estar en La Chancha?

-La Chancha es una ironía desde que se inició. Lo que pasa es que la vida es absurda, ridícula, ser serio es un contrasentido. El hombre es estúpido y La Chancha es una denuncia de esa estupidez.

-Entonces hay que tomarse las cosas con humor.

El humor es vital, conozco gente de otros países que no lo manejan como hacemos acá, nosotros buscamos que quede un residuo educativo.

-¿En qué sentido?

-Enseñanza en el sentido de mostrar, mejorar la calidad de vida de tus semejantes, despertar la conciencia sobre las cosas que nos rodean.

-¿Eso es difícil?

-Intentarlo no lo es. Lograr el objetivo depende de cada persona. Hay gente muy estructurada, que siguen sus valores como si fuera una religión, para los que La Chancha es un ruido molesto. Seguramente sería así para la mayoría. Para cada pescado hay una carnada, no tenemos un mensaje universal, y me refiero tanto a la letra como a la música. No nos casamos con nadie. Uno tira lo que puede, lo que está al alcance de su capacidad, el resto depende del escucha.

-¿Qué cambiarías de esta sociedad?

-El primer cambio sería que haya más educación. La calidad de vida de una sociedad se mide por la educación de la gente. Hablo de ciencias, artes, normas de convivencia, democracia. Son cosas que no las sabemos o las tenemos en cuenta. Lo contrario a la educación es la barbarie. No se trata de hacer mierda el sistema para quedarse con nada. Hay que tomar lo bueno y apuntar hacia las opciones. Hay que organizarse, los recursos están. La formación también tiene que ser en lo referente a los derechos de cada uno, esta es la base y cualquier estado puede garantizarla. Como te decía, civilizado es igual a convivir sin agredir.

-¿Y la anarquía?

-Es un sueño, vivir sin autoridad. Pero la autoridad no sólo es el que manda sino también el que sabe, y esto siempre va a existir.

[La República. Montevideo, 4 de mayo de 2008]

Crecen las brigadas metálicas.

2007-12-01T11:20:00.000-08:00

En Uruguay, salvo contadas excepciones, ser músico es una profesión que se ejerce “ad honorem”. El metal nunca fue ajeno a esa premisa. Sin embargo, comienzan a percibirse algunas tímidas señales de cambio en el panorama de la música pesada.
Con la lenta agonía de la dictadura militar no solo resurgió el rock uruguayo, también apareció el heavy metal. El consenso general dice que la primera banda uruguaya de metal fue Ácido, luego llegarían Cross, Alvacast, Angkor Vat, Shock, Sádica y otras.
Eran tiempos difíciles, los locales para tocar en vivo como “El Templo del Gato” eran escasos. No existía Internet para enterarse de los toques, conseguir información o descargar discos.

Aquellos eran tiempos de batallas campales entre heavys y punkies por razones tribales de confusa explicación.

El renombrado Alfonso Carbone grababa a los Estómagos pero ponía a Cross en el freezer. “Somos de la época en que los grupos no eran amigos de los sellos (...) los que pintaban ‘Carbone puto’ frente al Palacio de la Música” aclara Rodrigo Costas, vocalista de Radical.

Los toques eran caóticos e imprevisibles. El tema de Chopper “La bronca de una noche”, basado en hechos reales, ilustra fielmente la atmósfera que se vivía. “Mi madre me vio por primera vez en la tapa de un diario pero pegándole a un bajista (...) los punks destruyeron el local. Marcelo Cross había puesto las luces robóticas, las destrozaron” señala su ex cantante Fabián Furtado.

Chopper reinó en los 90 y se hizo fuerte en La Factoría, el popular boliche que funcionaba detrás de la sede de Wanderers, en la calle Agraciada. Siempre a lleno total, compartieron escenario con La Trampa, A.N.I.M.A.L, Glenn Hughes o Barón Rojo entre otros.

Su segundo disco “Sangrando”, ya con la presencia de Gabriel Birkman como guitarrista y nuevo manager, es el álbum más notable de este período y un mojón en la historia del metal local.

Casi un cuarto de siglo después del nacimiento del metal en Uruguay, los desafíos siguen siendo los mismos, generar una escena digna y profesional para las bandas, y que estas tengan propuestas artísticas a nivel internacional.

¿El año del metal?
2007 será recordado en Uruguay como uno de los mejores años del metal local. Shows de bandas reconocidas mundialmente, festivales internacionales, giras por el interior, crecimiento de bandas locales, nuevos discos editados, publico que se acrecienta y la aparición de medios especializados han hecho de este año uno de los más prolíferos para el género.

Uruguay siempre estuvo fuera de los tours sudamericanos de las grandes bandas del norte. Excepcionalmente llegaba alguna gracias a extrañas conjunciones astrales y algún temerario productor. La memoria se remonta a la primera mitad de los 80’ con Van Halen y Barón Rojo (los españoles volverían en el 2000), Iron Maiden en 1992, los suecos de Hammerfall en 2001 y Deep Purple en 2006. Todos fueron shows exitosos y demostraron que en este alejado paraje existe un público ávido de metal y buena música. El año que finaliza lo confirmaría y doblaría la apuesta.

El 21 de abril en el Montevideo Metal Fest II, que se llevó a cabo en el velódromo, Sepultura llegaba por primera vez a Uruguay luego de 17 años de carrera.

Compartieron la grilla junto a los argentinos Rata Blanca y los locales Reytoro, Radical y Narval. A principios de los 90, esta banda brasileña logró llevar el trash sudamericano a las grandes ligas del metal internacional compitiendo de igual a igual con artistas de primer nivel. Siete mil personas desafiaron la incesante lluvia para vivir una emotiva fiesta difícil de olvidar.

Epica llegó a Uruguay tan solo ocho días después de Sepultura. La empresa delga Katoen Natie, en el marco de los festejos por la ampliación del muelle del puerto de Montevideo, organizó un evento gratuito con la participación de la ascendente banda holandesa de gothic metal. Según la organización, veinte mil personas se dieron cita frente al enorme escenario instalado frente la escollera Sarandí.

El 23 de agosto, Living Colour brindó un memorable show en el Teatro Plaza. Si bien no es una banda estrictamente de metal, en 1993 con el disco “Stain” llamó la atención del género influenciando a muchas bandas.

El 4 de noviembre, la banda estadounidense Exodus realizó el mejor show de metal del año. El festival, que tuvo lugar en el Teatro de Verano, contó también con la presencia del argentino Oconnor y las bandas nacionales Crepar y Reytoro. Los norteamericanos son pioneros del trash de la fermental Bay Area de San Francisco en los ’80. En Montevideo tuvieron el mayor público de toda su gira sudamericana.
Las visitas de bandas argentinas son una constante, pero este año han batido records. Podemos enumerar, además de los ya mencionados, las visitas de Tren Loco, Horcas, Logos, Lorihen, Mastifal y Serpentor.

El 2008 dirá si se mantiene el nivel alcanzado o si solo ha sido un espejismo en el eterno desierto. De todos modos, podemos confiar en que el metal en Uruguay no morirá gracias al compromiso que todo buen fan mantiene con una cultura que va más allá de lo musical y a un orgullo que ni modas ni festivales masivos harán cambiar.

Tiempos violentos.
Brevísima selección de bandas nacionales.

Austera Existencia- Provenientes de la localidad coloniense de Juan Lacaze. Durante 2007 integraron el Uruguay Metal Tour II que llevó a seis bandas por diferentes localidades del interior del país. En agosto de 2006 grabaron su EP “Esclavos de un error”.

Castigador- Se formó en 2001 y principalmente hacían trash. En 2004, Fabián Machado entra como vocalista y graban su primer disco “From the Bowels of Hell”. La cantante Mariana Lindholm entra en 2007 y Fabián queda como guitarrista. Luego de este cambio la banda se inclina hacia el death melódico al estilo de los suecos Amon Amarth.

Crepar- Banda de hard rock y heavy metal formada en 1998. En 2001 entra Gabriel Soria como vocalista y en 2002 editan su primer disco “Hasta Morir”. Su segundo trabajo “Sedientos de poder” llegó a ser presentado en Argentina.

Herrumbre- La banda de metal más longeva de nuestro país. Su actividad ha sido ininterrumpida desde 1991. También ostentan el honor de ser la única banda del género en editar un tercer disco, este año publicaron “Tierra Madre” con excelentes críticas y buena repercusión. Integraron el Uruguay Metal Tour II.

Radical- Se forma en 2004 y al año editan el Ep “Radio”, por el cual ganan el premio Graffiti en la categoría “mejor álbum heavy metal”. “Radio” contiene versiones de clásicos del rock uruguayo de los ’80 y ’90. En 2006 editan su primer Lp “Perfecto Infierno” y vuelven a ganar el graffiti. En 2007, integraron el Uruguay Metal Tour II.

Reytoro- Fabián Furtado, ex cantante de Chopper, arma su nueva banda en 1998. En 2003 editan su primer trabajo “Reytoro” con gran repercusión en medios y público. Este año publican “Vivo”, un disco en directo grabado la noche del 1º de noviembre de 2006 en DOS. Se han presentado en dos oportunidades en el Pilsen Rock, este año cerraron la primera noche del festival.

[Por Luis de Avila. Times New Roman. Montevideo, diciembre de 2007.]

Hoy como ayer

2007-06-15T00:45:00.000-07:00

La primera edición en compacto de una obra hoy clásica del
rock uruguayo, que estuvo añares fuera de las disquerías,
lleva a lamentar bastante más que el ninguneo que, como una
maldición de la que nadie se hace responsable, suelen sufrir los
artistas de este país. En 1986, Montevideo agoniza, de Los Traidores,
resonó como el grito solitario de cuatro muchachos desesperados
por desgarrar las pesadas redes que frenaban a la sociedad
uruguaya. En el paisaje depresivo, represivo y sin compasión que
pinta ese disco pueden verse, como en un espejo, los jóvenes de
entonces y los de ahora.
Algo cambió, sí, desde aquella enrarecida, enfermiza restauración
democrática. La represión brillaba entonces en las infames
razzias. La Republicana había cambiado el blanco de su sable, de
opositores en manifestaciones a rockeros en recitales. Las autoridades
también pretendían cumplir a rajatabla la prohibición
de la marihuana, y muchos simples fumetas terminaban en la
cárcel.
La censura regía en las mentes y en la realidad. El sello Orfeo
prefirió no editar cinco canciones ya grabadas para Montevideo
agoniza por temor a la reacción del gobierno de Julio María
Sanguinetti, que por sus días clausuraría la revista La Escoba.
Los dibujos de Óscar Larroca fueron retirados de una exposición
estatal por “pornográficos”. La policía solía esperar a Los Traidores
detrás del escenario para arrestarlos. El celo de un director
municipal le valió dos meses de prisión a Esteban No, cantante
del grupo de rock Clandestino, por expresar en un recital lo que
pensaba sobre el Parlamento.
Las mayorías preferían sacrificar libertades y avances sociales
hasta que se consolidara cierta institucionalidad política. El
presidente argentino Raúl Alfonsín decía que “con democracia
se come, se educa y se cura”. Es verdad: todas las dictaduras de
la historia tienen como seña de identidad la perpetuación de la
pobreza y la inequidad. Pero sólo con la democracia no alcanza, y
ya en 1986 había inconformistas que, a pesar de su juventud y de
haber sido criados “en la cuna de la represión”, se daban cuenta.
Luego arrancaría el carrito de la montaña rusa, desde la cima
del consumismo hasta la caída en la crisis económica. De a poco,
el rock se fue colando en teatros, estadios, ascensores y hasta
supermercados. Hoy, con el primer gobierno nacional del Frente
Amplio, los rockeros están integrados a la cultura oficial y oficialista.
En contraste, Montevideo agoniza fue una obra marginal en
los tiempos que la parieron, rechazada hasta por la izquierda. Pero
sus diagnósticos, sus urgencias y su rabia suenan, 21 años después,
demasiado actuales, mucho más que la mayoría de los “productos”
del masivo y amable rock uruguayo contemporáneo.
Aquellos jóvenes urbanos de 1986 no son ahora muy diferentes
a sus padres, retratados en canciones como “Sólo fotografías”
(“luces que no alumbran, que sólo apuntan y acusan para que
nos descubran”) o “La lluvia cae sobre Montevideo” (“un lugar y
su gente en la misma dirección”, frase que el cantante Juan Casanova
solía acompañar en el escenario con el pulgar hacia abajo).
La mayoría de los medios de comunicación continúan promoviendo
el conformismo y el miedo, sin dar mayores explicaciones:
“Las noticias nacionales” recomendaba a la población que se
cuidara “de los criminales” y que cerrara “puertas y ventanas con
cadenas y candados”, pero añadía: “Nunca acusan a nadie, nunca
nombran a los necios”.
Cualquier gobierno inspirado por un sentimiento de justicia
y transparencia debería sentirse interpelado por la frase “las cartas
mal repartidas se juegan con lentitud” (“Juegos de poder”)
o por la descripción del liderazgo como mero aplacamiento de
intereses (“¿Qué camiseta usará usted hoy? ¿Una roja, tal vez una
verde, o la del imperialismo?”, en “Buenos días, presidente”).
Poco (o nada) ha cedido el desprecio por los pobres, narrado
en “Viviendo en Uruguay” (“Estoy viviendo en un país donde
tenés que ser cheto o terraja”) o “Barrio rico” (“un paraíso al que
tú no puedes ir”).
Resulta inquietante pensar que los niños aún “se arrastran en
la calle sin dejar nunca de llorar”, sobre todo porque Los Traidores
cantaban esto cuando, por ejemplo, Marcelo Roldán, El Pelado,
tenía 12 años.
Para muchos, el cambio de signo en el gobierno es una nueva
excusa para dejar de soñar y de pensar en las estrellas. Hoy como
ayer, todo el libreto parece igual. Ojalá que alguien lo desmienta.

[Por Marcelo Jelen. La Diaria. Montevideo, 15 de junio de 2007]

Eduardo Darnauchans Miralles.

2007-04-01T12:11:00.000-07:00

El pasado 7 de marzo falleció Eduardo Darnauchans. Nacido en Montevideo el 15 de noviembre de 1953, vive sus primeros años en Minas de Corrales, Rivera y luego en Tacuarembó, junto a su padre Pedro E. Darnauchans, médico y su madre Alicia Miralles, profesora de liceo. A la edad de 18 años graba su primer disco “Canción de muchacho” de 1973 que ya contiene las ideas que continuarán en toda su obra, la musicalización de poetas y textos propios en una definida línea estética y ética, un fino trabajo de la melodía por sobre todas las cosas y su compromiso político. Su segundo disco “Las Quemas” es de 1974, luego vendrá “Sansueña” en 1978, Sansueña lugar mítico que aparece en el Quijote y retoma el gran poeta Washington Benavides, en él aparecen temas como “Final”, “El instrumento”, los que más hondo calaron en la gente, bis obligado en todas sus actuaciones. Su cuarto disco “Zurcidor” es de 1981, Darnauchans siempre se definió como songwriter, o zurcidor de letra y música, igual que sus queridos Dylan (con quien compartió escenario en el Cilindro), Antonie o Cohen, (tiempo después al leer una entrevista a Lennon, Darno, como muchos lo llamaban, descubre que en inglés “darn” o “to darn” era zurcir o zurcido). Su quinto disco “Nieblas y neblinas” editado en 1985 contiene temas como “La noche está muy oscura”, “Señora otra”, “Un transeúnte”, entre otros. “El trigo de la luna” es su sexto trabajo, de 1989, uno de los discos emblemáticos de Darnauchans, temas como “Desconsolados 2”, con Fernando Cabrera, “Dylaniana” y la canción que da título al disco, son puntos muy altos en su discografía. Editado en 1991 aparece “Dylan” una antología, luego vienen “Noches Blancas”grabado en vivo en el Teatro Solís en mayo de 1991, “Sin perder el tiempo” (recopilatorio de 1978 a 1982) también de 1991, “Entre el micrófono y la penumbra” en vivo del 2001, “Raras y casuales” disco del 2003, con grabaciones en vivo, versiones inéditas, etc., “Canciones Sefradíes” registro en vivo del 2004 y su último disco “El Ángel azul” del 2006.

De este disco es “LQQD” canción dedicada a la memoria de su tío, mi abuelo Basilio Miralles (Pitingo), quien quería cambiar el epitafio “QEPD”, cuando su muerte, por uno más realista. La muerte sobrevuela toda la obra de Eduardo, también su biografía, en un reportaje de los años ochenta dice: “…yo he cantado sobre la muerte, pero no a la muerte…es una especie de juego mágico: se busca la representación lo más perfecto posible de aquel enemigo, de aquello que uno quiere conjurar porque es un enemigo. Vallejo lo decía claramente: Porque tengo en suma para expresar mi vida sino mi muerte. Mi pavor a la muerte me hace sentir más vivo.” Sufrió la persecución de la dictadura desde 1979 a 1983, la prohibición de presentaciones en espectáculos públicos, por haber sido delegado de la UJC en las elecciones de 1971. Siempre estuvo comprometido políticamente, actuaciones en ocupaciones de facultades, para la AEM, para los sindicatos se contaba con su presencia permanentemente. Recuerdo por ejemplo cuando cedió los derechos de su canción “Pago” (dedicada a su padre) al sindicato de trabajadores e la Salud, en un acto en el Teatro El Galpón.

Hoy que Montevideo está más triste sin su trovador lo que queda demostrado es la dedicación por entero a su obra, sin concesiones. Es muy difícil elegir temas de cada uno de sus trabajos, cada tema encierra su belleza, su sentido. Quedan como testigos de sus amores dos canciones “Balada para una mujer flaca” dedicada a Chichila, su primer esposa y “El prisionero de la parada 2” compuesta para Patricia su segunda esposa, fallecida dos semanas antes de su muerte.

En estos momentos de dolor, de escudriñar recuerdos, pienso en los versos de Valente: “De ti no quedan más que estos fragmentos rotos. Que alguien los recoja con amor, te deseo, los tenga junto a si y no los deje totalmente morir en esta noche de sombras, donde tú ya indefenso todavía palpitas”.

Hasta siempre compañero “zurcitrovador” de las triste hermosas canciones que están vivas.

“Lo que queda demostrado, finalmente”.

[Por Federico Miralles. Publicado en el boletín de la Federación Nacional de Profesores de Educación Secundaria, abril de 2007]

La doncella de negro.

2006-06-01T13:46:00.000-07:00

Unos meses antes de que Buenos Muchachos presentara en vivo el disco Amanecer Búho, en el invierno de 2004, Laura Gutman dio un paso al costado. En dos años, colgó los palos y se compró una guitarra, grabó de forma independiente su primer proyecto solista.
En el año 1997, la revista Guía del Ocio organizó un concurso de bandas de rock, que buscaba seleccionar a los mejores para grabar un disco en conjunto. Mucha ilusión adolescente concentrada.
El grupo que ganó transpiraba Rage Against The Machine y Peyote Asesino. El que salió segundo también pegaba fuerte. En Isterix, cinco chicas con actitud y buen sonido que tocaban covers de Hole y Elastica: Laura era la baterista. Le pegaba con ganas y cantaba muy lindo. Sentada allá atrás, haciendo coros, parecía proteger a todas las demás. La hermana mayor.
Es raro ver bateristas mujeres en Montevideo. No así en el rock. Ya la Velvet Underground tenía una, de cerquillo y con cara de beatle; y seguro que lo mejor de Lenny Kravitz es la baterista, Condy "Bikini" Blackman.
Laura tuvo que contemplar el ritmo y el único lugar vacante de la familia."Estaba mi madre que es concertista de piano, uno de mis hermanos que tocaba el bajo, y otro la guitarra eléctrica. Así que faltaba el baterista de la familia", dice en un tono calmo y constante.
El año de su primera batería es 1992, a los trece, y los primeros músicos con los que compartió banda fueron sus tres hermanos. Un entrenamiento de cara al futuro.

NERVIOS, SIEMPRE NERVIOS
Es difícil dejar un lugar seguro. Subirse a la tangente y cambiar. Eso fue lo que hizo Laura después de dos discos y cinco años junto a Buenos Muchachos."Me costó muchísimo tomar la decisión. El día que les dije cambié todo el tiempo de opinión. De pronto me iba, después me quedaba. Al final me fui. Cuando presentaron Amanecer Búho en el teatro El Galpón y subí a tocar unos temas con ellos, tipo homenajeada, fue el peor momento. Después de bajar del escenario me puse a llorar. Era una sensación de arrepentimiento", lo explica emocionada desde el tiempo, y lo entiende como algo natural.
Laura nunca dejó la música. Solo cambió de lugar. Aburrida de la batería buscó pasar a otro plano, a la composición. No es algo nuevo tampoco. Siempre compuso canciones y tocó por su cuenta, más allá de integrar otros grupos. Lo que no encaraba era la guitarra; "le tenía miedo", confiesa, así que empezó por comprarse un bajo. Una vez que se afirmó en las cuatro cuerdas pasó a las seis. "Y una vez que saqué dos notas me bastó para escupir canciones".

DOS Y VERÁ QUE PUEDE
Eso te recomendaba Jalea Real Cabral, y lo hacía antes que existiera el viagra. Con dos se puede. No se necesita ser Emerson, Lake & Palmer y su nutrida progresión de acordes para tocar. Lo frugal no distrae tanto, y llena lo mismo.
Laura procesa de esa forma los temas. Tiene dos notas, a veces más, busca la melodía, le sale cantar en inglés, un poco menos en español, todo le sale de adentro, y listo. Hay canción. Son como espasmos íntimos que no se desnudan por completo, frágiles y sin moralejas.
"Necesitaba vomitar todos esos temas en algún lado. Sacárelos de arriba. Entrar a un estudio y que queden grabados, más allá deque me gusten o no", así describe Laura el impulso que la movió a grabar su primer disco. Lo pagó ella. Se metió en el estudio de Gastón Ackerman (que grabó Amanecer Búho) y tocó casi todos los instrumentos. Hubo otros músicos también: Orlando Fernández (Antes Exilio Psíquico, ahora bajista de Buitres), Mario Davrieux (ex Sórdromo), Manuel Rilla (Genuflexos), Cecilia Plottier (Isterix, Vendetta), Federico Deutsch y dos de sus hermanos, Pablo y Mariano.
El disco tiene siete canciones y no lleva nombre. Hay cinco instrumentos angulares: guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo, batería y voz (Laura grabó todos los arreglos vocales). A veces suenan a rock apretado y filoso (piensen en Hole o Veruca Salt), a veces más tranquilo, siempre muy melodioso.
Son un número limitado de copias -ella decidió y decide todavía la cantidad, cual discográfica unipersonal- que vienen adentro de un sobre de terciopelo negro que diseñó un amigo. Tenerlo da la sensación de formar parte de una logia, que Laura preside desde el anonimato.

BENDITA TU ERES
Laura dejó la retaguardia y pasó al frente, ahora canta y se cuelga la guitarra eléctrica. Desde hace unos meses formó una banda junto a Mario Davrieux (bajo), Manuel Rilla (guitarra) y Martín Arosa, aka Choniuk, también Concho, ex baterista de Plátano Macho y Elefante. Un búho descarriado que armó su propio nido.

[Por Juanchi Hounie. Freeway Magazine. Montevideo, junio de 2006]

Hereford pone su marca.

2003-09-01T06:21:00.000-07:00

Con Diego Martino, Frank Lampariello y Rodrigo Trobo.
Interrumpieron la grabación de su último disco para hablar de él (por supuesto), pero además, de una experiencia que dice mucho de estos cuatro ejemplares uruguayos, una gira solidaria por el interior del país, con una entrada cuyo precio rondará lo que valga un alimento no perecedero o ropa de abrigo. Hereford tiene la palabra.

¿Cómo sale la idea de organizar esta gira solidaria?
D.M.-La idea sale de Frankie, de hacer una gira por el interior. La gira de verano rindió, y pensamos que si pudimos hacerlo en la costa a cambio de nada, por qué no hacerlo en el resto del país a cambio de ayudar a la gente ¿no?
F.L.-El tema salió cuando Diego y yo estábamos viendo el informativo y dijeron que habían muerto tres niños de hambre; fue hace relativamente poco. Quedamos bastante indignados, porque no se puede morir gente de hambre, pero menos en este país. Empezamos a hablar de que debíamos hacer algo, y como ya teníamos la idea de hacer una gira acústica, pensamos que la podíamos hacer por un alimento a cambio de la entrada. Buscamos más sponsors para poder hacerlo por alimentos que se donarán a los comedores infantiles de cada ciudad. Y por lo menos aportamos con lo poco que podemos hacer nosotros desde nuestro lugar.
D.M.-En realidad no es significativo el aporte, pero es significativa la acción, la movida. Que la gente se de cuenta de que si los que tienen que hacer las cosas no las hacen, bueno, las hacemos la gente, los artistas...aunque organizar una gira donde no vas a cobrar entrada es difícil, la gente desconoce los pormenores, como llamar a una Intendencia y que te digan “pah, no, mirá, las cosas tienen que pasar por acá primero...” o sea que te traten mal, por problemas de burocracia y crisis de protagonismo que tienen algunos cargos medios. Pero en general en todas las ciudades se pusieron a las órdenes, sobre todo la población.

¿Cuáles son las ciudades que van a recorrer?
F.L.-El 1º de agosto Paysandú, el 2 de agosto San José, el 8 Fray Bentos, el 9 Salto, después el jueves 14 en Canelones, donde no podemos utilizar el teatro porque está de reformas y lo vamos a hacer en el boliche de un amigo, Tommy “El Canuto”, que enseguida lo puso a disposición; el 16 en Maldonado, el 22 en Minas, el 23 en Rocha, el 30 y el 31 en Florida y Rivera.
(...)

¿Piensan tocar con bandas locales o son sólo ustedes?
F.L.-Es medio complicado, porque al ser acústico, es difícil conseguir una banda local...ya es muy difícil conseguir en Montevideo que alguien te haga un acústico, imaginate afuera, que de repente están pensando más en el rock, decirle a una banda local que se preparen con un acústico.
D.M.-Y no podemos abrir un show acústico con una banda eléctrica antes.
(...)

Ustedes me decían que nunca habían ido al interior...
F.L.-Hemos ido al interior, pero nunca con este acústico, y a muchas ciudades de estas nunca fuimos.

Cuéntenme ahora sobre el próximo disco, ¿sale en octubre?
D.M.-El 15 de octubre. Es más, el 2 de octubre ya empieza a salir un tema nuevo por la radio, que suponemos que va a ser el de corte, porque en realidad están todos los temas buenísimos.
R.T.-Nosotros al menos estamos recopados.

¿Cuál es el concepto del disco?
D.M.-El concepto es venir haciendo lo que hacemos un poco más reafirmados en lo que es la banda, que si bien los cuatro disparamos para lados diferentes, con el correr del tiempo vamos yendo hacia el mismo lugar. Creo que todos ya sabemos lo que queremos.

¿Ya saben dónde lo presentan?
D.M.-Todavía no lo sabemos, estamos manejando varios lugares pero todavía no sabemos.

[Por Ana Guerra. MVDROCK, Archivos rock&pop de la música uruguaya. Diario El País, setiembre de 2003]

"Yo no soy un mito: ¡los inconscientes son los que creen que yo soy un mito!"

1997-06-01T13:35:00.000-07:00

Abrió la puerta y su resfrío nos dio la bienvenida. No es difícil reconocer a Dino detrás de sus bigotes y su inconfundible nariz. Pasaron muchos años desde aquella movida de los sesenta, con rocanrol y parejas enamorándose con el tono cansino de un muchacho de barrio que le cantaba bluses y milongas a su Montevideo querida. El Montevideo de Radio Ariel (hoy Continente), de las fonoplateas donde gente como Mateo y el propio Dino imponían el rocanrol nativo con nombres como Los Gatos (los primeros fueron los de Dino) o Los Malditos de Mateo. Los recitales de llamaban Festival de la Canción Beat y de Protesta (Dino ganó en 1971, segundo quedó José Carbajal). "Tenía que haber ganado él" dice sonándose la nariz mientras escuchamos la base de los temas que lanzará el mercado en pocos días. El escenario de la entrevista es extraño: fría noche de martes en el Molino San Salvador, de la ciudad de Dolores. Es que allí vive, ensaya y se divierte uno de los grandes de la música uruguaya. Allí nomás, a pocos metros de un silo, de galpones cargados de grano que cae en cataratas sobre los semirremolques. Allí nos recibió este hombre que pausadamente -entre estornudo y estornudo- habló de los vientos sureños que lo llevaron por el mundo, los vientos que lo alejaron de la música y que por suerte, lo trajeron de vuelta a la guitarra. Ya habló también de una época fermental donde un recital podía terminar por ejemplo, con Pipo Spera y Julio Frade jugando ping pong arriba de un piano.

-¿Dónde andabas? ¿Es cierto que estuviste viviendo en Suiza?
-Si, estuve viviendo allá.

-¿Y cómo te fue?
-Son otras cosas, otras realidades, quinientas veces mejor y quinientas veces peor. Pero decís...esto no...esto no...porque está todo solucionado. Si que está todo solucionado. Si estás desconforme con algo, te dicen: si no le gusta se va. En una oficina, te dicen: usted es extranjero, no tiene derecho. Entonces vos decís... ¿qué mierda estoy haciendo acá?

-¿Y la vuelta a Uruguay?
-Y...ya era otra cosa. Uno viene como aprendido, un poco más viejo, un poco más experiente. Si algo tiene Ginebra es que debe ser una de las ciudades más lindas del mundo y la más tranquila...o casi. Te acostumbrás a vivir en paz, y te acostumbrás a vivir en un lugar que está ordenado. Cuando volví, el primer día que me quedé solo en 18 de julio y Paraguay no crucé la calle. Y no: si pierden la verde, y prenden la roja...son capaces de pasarte por encima. ¡Me quedé de este lado!

-¿Y cómo andás ahora? ¿Cómo la llevás?
-Esto es bárbaro...

-¿Te gusta vivir acá?
-Si. Esto es bárbaro. La gente es bárbara. No tenés los problemas de Montevideo. Por lo general, la puerta queda sin llave. Acá vienen mis hijos y agarran las bicicletas y salen. Y sabés que vuelven.

-¿Y en este ambiente volviste a agarrar la guitarra de nuevo?
-Acá empecé a agarrar la guitarra de nuevo... ¿conocés a Pepe Coutiño? Bueno, lo llamé para ver si tenía un equipo. Me mandó el equipo. Y un buen día apareció un amigo, el cardiólogo que me cuida a mí y me dijo que el cuñado de él tocaba el ...coso ... (seña de teclado) y que era bueno. Y resulta que había hecho toda la escuela con Mauricio Ubal, y el propio Mauricio me lo presenta como traga. ¿Te das cuenta? Mauricio... Fernando Cabrera... Y se aparecieron los otros gurises y dijimos vamos a divertirnos por lo menos. Las noches acá son largas, son frías... por lo menos vamos a divertirnos. Vamos a ver: ahora empieza la otra parte de la historia.

-¿Ya tiene nombre el disco nuevo?
-Se va a llamar Dino y la dolores. No sé si llevará subtítulos, yo de eso no entiendo nada, así que será un problema de Mauricio y del sello.

-¿Te dieron mucha manija para que volvieras?
-Yo me los encontré la primera vez que llegué a Montevideo: llegué un miércoles, el jueves me quedé encerrado...no: miento: yo llegué un martes y el miércoles me fui a Porto Alegre a ver a mi padre, fui al teatro de los Pocitos que estaba este botija, Bordoni, con otro botija más. ¡Cantaban canciones mías! ¡me quería morir! No podía creerlo ¿viste? Pensé: yo debo estar loco, si estos cantan canciones mías... o los locos deben ser ellos. Estaba totalmente fuera de todo...la autoestima... las cosas que pasaban...

-¿Cuál es tu visión de la otra época: Montevideo Blues, Moonlights?
-Con Montevideo Blues aprendí a cagarme de las normas. A no decir "no se puede hacer porque tal cosa y tal otra no se mezclan" ¡Mentira! Si podés mezclarlas tratá de mezclarlas, que capáz que algo bueno sale de ahí.

-Una vez estaban tocando un tema de Mercedes Sosa y dijiste...
-Habíamos tocado Qué dirá el Santo Padre y estaba Viglietti...

-Y les dijo algo así ¿no?
-Sí: nos dijo que nos cagáramos en los conservadores.

-Esa época fue renovadora por el eclecticismo: metían tumbadoras arriba del escenario...
-Si, claro. Pero se hacían cosas porque... yo pienso que las hacíamos porque éramos medio kamikazes. Porque si uno las pensara en forma lógica, o con la lógica de ahora, a lo mejor no las haría. Pero se hicieron, se hicieron.

-Y ahora, ¿como te definís?
-Yo, toda la vida fui roquero con influencias de country. Vos escuchás lo que o llamo milonga y es una vergüenza: yo no sé tocar milonga. Marcos Velázquez dice que yo toco habanera. Tiene razón: yo no sé tocar milonga. Y cuando estás afuera escuchás cosas que no podés creer...con los brutos equipos que tienen y las facilidades ¡escuchar las estupideces que hacen! Entonces pensaba: pucha, que orgulloso que estoy de saber que allá, con tres latas, hacen una cosa bárbara. Eso te llena de orgullo. Yo que sé: recibir casettes... y copias para la barra...

-Ahora ... ¿Vos tenés conciencia que sos una especie de mito?
-Nooo...¡los inconscientes son los que creen que soy un mito! No.

-¿Por qué? No es nada malo, al contrario. A la gente le sigue gustando lo que vos hiciste.
-Si, bueno, ta... ¡muchas gracias! Yo encantado, pero...

-Y como no tocaste mal...
-¡Debe ser por eso! Era tan malo, que ya no se acuerdan lo mal que tocaban... (risas). No, yo qué sé... Pero mirá. La última vez que hablé de eso fue con Osvaldo Fattoruso y Mariana Ingold en Ginebra. Vos sabés que venía una camiseta verde con una barriga abajo y yo dije: esta barriga la conozco. Y eran ellos dos. Nos pusimos a hablar y me preguntaron si no iba a hacer nada. Yahí me dije: ¿y a quién le importa lo que yo hago? Hasta eso ¿te das cuenta? Y yo era consciente que mucha gente se había conocido a través de canciones que yo cantaba.

-Pero además vos tenías un público muy importante y muy seguidor.
-Claro, pero el problema está en que hay momentos en que subís al escenario y te decís "qué barbaridad...es gratificante". Pero cuando te bajás, y cuando vas a tu casa y no hay nadie... Entonces ahí empezó todo. Y después el voluntarismo estúpido de hacer cosas: te usaban... en determinado partido te hablaban de militancia ¡y a otros les abrían las puertas y les pagaban! Entonces, llegaba el momento, iban a buscarme a mi casa y vos le decías: escuchame, mirá que los muchachos cobran. Y te miraban y te decían: "¡encima querés cobrar!"

-¿Te lo llegaron a decir así?
-Sí, así. Me lo dijeron en la propia cara. Hay momentos que, bueno, no decís más nada, te callás la boca y te quedás tranquilo. El momento ahora es diferente porque ya tengo más años, he tomado otra vez la fuerza, he recibido el apoyo incondicional de una cantidad de gente que me ha empujado y bueno: vamos a ver...

-Es curioso: ahora estás trabajando con músicos que crecieron bajo tu influencia...
-Si si, pero ¿qué pasa? hubo una época que nosotros con Los Gatos -los gatos de veras, los argentinos eran Los Gatos Salvajes- una locutora dijo una vez en Montevideo que le habíamos sacado el nombre a ellos, pero fue al revés...

-Ellos se lo copiaron a ustedes...
-Sí...pero ésas son historias de hace siglos.

-¿En qué año empezaron Los Gatos?
-En el 64, por ahí.

-En esa época vos tenías un programa de radio ¿no?
-Si, los domingos en la fonoplatea de Radio Ariel. Ahí tocaban Los malditos, con Mateo, Los Delfines, Los Mockers, Cano y los bulldogs... ¡pavadita de grupos!!! En esa fonoplatea se grabaron los primeros discos de música popular uruguaya. Con Juan Carlos Gómez y Willy De León. Con Willy nos conocimos cuando él tenía 19... y yo tendría 17. Yo estaba medio libre y enchufábamos la guitarra y le dábamos. Así aprendíamos.

-¿Después armaron La Cueva?
-La cueva del gato maldito con Mateo. Era en Convención y Maldonado. Pero antes estuvo en el Club Treinta y Tres. Después estuvo en Paraguay y Mercedes y en Yaguarón y San José... no me acuerdo mucho. Funcionó varios años. Se tocaba los domingos de noche, empezábamos a las siete y se terminaba a las once. Pero qué pasó: había una base social que era la nuestra y que se fue. Los mismos que ahora escuchan a Kris Kristofferson allá en Gringolandia, eran los que nos escuchaban a nosotros acá. Y no vuelven. No vuelven. Yo qué se...

-¿En qué barrio te criaste?
-En el barrio Goes. Yo viví como treinta y pico de años en Martín C. Martínez entre Vilardebó y Guadalupe, y antes viví en Guaviyú y Rivadavia, y después viví en Guaviyú y Vilardebó a media cuadra del Goes. Siempre ahí, en la vuelta.

-¿Andaba bien el Goes?
-Claro. Jugaba en Primera, cuando estaba el negro costa. ¡Un cuadrazo, tenía! Y siempre el partido era contra Aguada.

-¿Y el otro Goes?
-¿Qué otro Goes?

-¡El mueble! (risas).
-Ah, no... yo hablo del cuadro de básquetbol... (estornuda). Ah... se me está cayendo la nariz, y eso es grave. Yo le decía a los muchachos: mirá, suerte que es moco, mirá si menstruara por la nariz... (risas).

-¿Qué música te gusta escuchar?
-De todo. Siempre me gustó la música clásica. Pero me gusta Tom Petty y los Hearthbreakers, el Credence por supuesto, Cosby Still Nash and Young. Siempre estoy más para atrás.

-¿Tenés música uruguaya?
-¡Puf! tengo troja ahí. Además me pidieron que me encargara de una audición diaria de música uruguaya en radio San Salvador. Entonces, conozco, tengo trojas...

-¿Escuchaste el último disco de Rada?
-Sí, lo tengo. Me encantó. Me gustó mucho. Y Somalía es impresionante. Y la otra, Sudáfrica, también. Hoy lo vi al negro en El Observador con traje y corbata: ¡me quería morir!

-¿Cómo empezaste con la música?
-Cuando era chico mi tía y mi abuela querían que estudiara guitarra. Me enloquecían con el solfeo. Cuando tenía 13 o 14 años apareció Arnold Schuster -el judío sigue tocando fenómeno, como los dioses- y el Negro Patilla, y yo me enrosqué y seguí para adelante. Además, uno siente lo que tiene que hacer.

-¿Viviste de la música?
-No. La vez que tuve que vivir de la música viví muy mal, con muchos contratiempos económicos. Pero contratiempos que todo el mundo tenía, porque no había un mango. Después me dije que bueno, si querés vivir de la música tenés que tirarte al agua. Pero tenés obligaciones familiares, sabés que no podés. Entonces...bueno, no vivo de la música pero puedo elegir qué es lo que voy a hacer.

-¿Qué trabajo te disgustó más y que trabajo disfrutaste más fuera de la música?
-Buena pregunta. En general, los trabajos que uno hace, si no te gustan...te tienen que gustar porque sino te tenés que ir. Tenés que hacerlo o tenés que hacerlo... Pero ojo: mirá que la música llegó un momento que tampoco me gustaba. Es aquello de que uno siempre quiere algo mejor y parece que lo mejor está en otro lado. Una falta de madurez muy grande...

-El artista siempre tiene algo de eso... ¿no?
-No coordinás bien. Hay momentos que te falla la cosa, pero bueno: lo importante es saber que no me voy a hacer millonario con esto y que a lo mejor voy a tener más gastos que otra cosa. Pero también si uno se puede divertir un poco, vale la pena.

-¿Ahora recuperaste la diversión de los primeros años?
-Sí, sí.

-¿Cómo es tu vida acá en dolores?
-Bueno, acá la cosa empieza muy temprano. Se empieza a trabajar a las 7, hay que acostarse temprano.

-El horario del molinero no se compatibiliza muy bien con el de músico.
-No.

-¿Y qué hacés?
-Hago varias cosas: trabajo en la administración y me encargo de varias cosas, es un desafío interesante. Me encargo de asuntos bastante importantes que tienen que salirte bien...

-¿Y los fines de semana?
-Voy al Barracas, que es una especie de boliche. Los sábados nos juntamos al mediodía. Después vengo, duermo la siesta, caminamos, miramos televisión. El domingo de mañana tempranito a caminar, vamos a la isla a ver los pájaros...muy tranquilo, todo muy tranquilo.

-¿Cómo es un molino por dentro?
-¡Un molino por dentro! ¿Nunca entraste?

-No, apenas conozco los molinos de viento...(risas).
-Bueno, este hace unos años que se modernizó. Ahora es todo automático, ya no es aquello que vos te imaginás, es completamente diferente. Hay tres turnos, trabajan ciento y pico de personas, y en la época de zafra, acá enfrente hay montañas de grano, casas de dos o tres pisos repletas de grano. Polvo todo el día, ruido todo el día y la noche.

-¿Cómo hacés para dormir?
-Te acostumbrás ¡el hombre se acostumbra a todo! Extrañás cuando no hay ruido... cuando no están funcionando las máquinas te enloquecés (risas).

-Compusiste algún tema al trigo...
-No, todavía no, todavía no.

-Volviendo a tu otra época, además de lo político ¿hay una explicación para el fin de aquel empuje musical de los sesenta?
-El empuje se termina cuando vos tratás de hacer las cosas y tenés contra por todos lados... y hacés cosas que quedan solamente en lo amateur, que no trasciende. Muy diferente a la música uruguaya de hoy: se vende, se hace bien, se toca bien. Hay buen marketing. Antes se grababa con máquinas samper a media pista. Y con eso había que hacerle frente a un montón de cosas. Además venían los grupos argentinos que ganaban cualquier plata y que hacían la porteñada aquella espantosa y bueno, tocaban por todos lados ¡y los uruguayos nada! Por suerte ahora eso está cambiando.

-Pero fue una época muy creativa ¿no?
-Fue muy fermental.

-Probablemente, sin aquello no se podría hacer lo que hoy se hace...
-Las cosas hubieran sido mucho mejor si se hubiera podido seguir la línea de inspiración creativa. Eso se cortó. No creo que haya habido algo más fermental que Tótem. ¿Te das cuenta? La gente hacía cola para mirar, no para bailar... ¡para mirar y escuchar!

-Había una movida...
-Las musicaciones, los Conotra en francés. Y aquello era para tirarse al piso. Era todo muy divertido. Además había una apuesta a la inteligencia.

-Después vino otra época, ya a fines de los años setenta. Recuerdo un recital tuyo en el Teatro Tablas que ya no existe.
-Sí, con Larbanois-Carrero. Estuvo bueno. Fue poca gente, pero estuvo bueno. Después hubo otras cosas, ya más adelante.

-Un recital muy grande en Trouville...
-Puede ser... no sé si no lo hizo Nelson (por Caula) puede ser sí, por el 82. ¡Esa época! Fueron muchas cosas donde siempre decías lo mismo, porque la gente quería escuchar siempre lo mismo... ¡por favor!!! Fue muy desgastante, no te lo creés ni vos mismo ¿te das cuenta?

-¿Fuiste afiliado al Partido Comunista?
-Sí, afiliado.

-¿Cómo te alejaste?
-Mirá, fueron cosas muy puntuales. Una falta de respeto a la palabra empeñada, total. Pero ojo, por relaciones de tipo profesional, musical: por falta a la palabra. Eso no se hace. Entonces, bueno, dije "esto no es para mí".

-¿Y ahora: volvés a tocar en público?
-Sí, pero hay una cosa que es muy importante: la mayoría de los gurises de la banda son profesores. Todos tienen su vida hecha. O sea, tocar en público sí... pero una vez cada tanto. Nada como hacíamos con los moonlights de tres bailes acá, tres bailes allá. No, no es así. No es así porque, además, lo ideal sería que la gente viniera a verte. Pero con el centralismo es algo... una cosa bárbara... es bravo venirse de allá, y tenés que estar con auto.

-¿Y acá nunca tocaste?
-Hemos tocado en Dolores Solidario que es un festival a beneficio del Hospital. Nos fue bien.

-¿Te imaginás el público que está esperando tu disco?
-No, no me imagino. Puede ser el más veterano... no sé. Los que te dije (se refiere a la banda) tocan como los dioses. Es una gran incógnita, por eso es más divertido.

-¿Vas a hacer un videoclip?
-No. Para hacer un videoclip hay que pagarlo. ¿Y con qué?

-Ya te caerá un productor.
-No. Para sacarme de costado necesito un ojo de pescado por lo menos... (risas).

-Puede ser un videoclip en el molino... saludando desde arriba del silo... (risas).
-Ahí sí: ésa puede ser.

[Por Carlos A. Muñoz y Gonzalo Eyherabide. Guambia. Montevideo, junio de 1997.]